"Torcuato Sòlas tra psicanalisi e isolamento del simbolo" Guida alla Mostra

Di  Torcuato Sòlas (1869- 1941) si sa tutto e non si sa niente: tutto si conosce della sua opera e dei suoi più reconditi significati, sviscerati dalla critica nelle minime sfaccettature, quasi a voler sottolineare la poderosa statura artistica di questo pittore e scultore, nome imprescindibile nelle avanguardie romagnole del Novecento; niente si sa invece dell’uomo Sòlas, o comunque troppo poco per delinearne una biografia che non sfoci inevitabilmente nella leggenda, a partire dalla sua nascita -chi lo vuole uruguaiano, chi italiano che si ammantava di esotismo, con un nome e un passato inventati, documenti falsi e una storia da dimenticare.

Già ai tempi del Cenacolo di Porto Corsini, nella prima metà del secolo scorso, intorno al suo nome aleggiava il mistero, ma la sua opera era già così apprezzata da far sì che intorno a lui si raccogliesse il fior fiore della gioventù artistica romagnola dell’epoca, da Arnaldo Biserani a Dello Feltraro, per tacere di Agnieszka Worek Kapeć, scultrice polacca dalla quale avrà sette figli.

Certo è che per un lungo periodo soggiornò in Francia, dove venne a contatto con gli artisti del Banalismo Francese, senza esserne tuttavia troppo influenzato, se non per quel sens de l'absurde che rivisiterà alla luce della sua ineffabile ironia, facendone la sua cifra stilistica.

La prima fase del suo percorso artistico non ha nulla di lineare, sembra essere una continua ricerca di quelle forme assurte a simbolo di se stesse, che solo nell’ultimo decennio della sua vita troveranno il codice per comunicare ciò che fingono di non voler dire. 

Nell'opera di Sòlas la forma è dunque autosignificante, svuotata del significato legato alla rappresentazione mentale dei fenomeni, ma simbolo della costrizione sociale che vuole che tutto sia ciò che dichiara di dover essere. 

È riduttivo pensare alla realtà fenomenica come filtrata da specchi deformanti, perché per Sòlas la deformazione del reale avviene per svuotamento di significato e solo l’Arte può nuovamente conferire al mondo uno spessore oggettivo, poiché solo l’Arte è in grado di suscitare l’unica esperienza reale: l’emozione consapevole di sé.

Sòlas è pittore e incisore, ma è soprattutto nella scultura che il suo linguaggio acquista quell’incisività che gli è propria: l’artista venne certamente a contatto con gli strutturalisti russi, facendo propri i principi fondanti del movimento, ma non si piegò mai ad abbracciare completamente il loro rigore teorico, mantenendo per tutta la carriera il tratto eclettico che l’ha sempre distinto in ogni ambito.

Convinto fino alla fine che le pressioni sociali, che propongono in modo impositivo modelli per ogni fenomeno, siano alla base dell’alienazione dell’uomo del Novecendo, ridotto a pura immagine priva di senso del sé, si proclama mediatore, in quanto Artista, di una presa di coscienza assoluta e oggettiva, testimoniando questo ideale con la sua stessa esistenza: dal 1931, infatti, smette di parlare, lasciando l’onere comunicativo alle sue opere. 

In questo senso Sòlas non è più un comune artista, ma diventa l’archetipo della coscienza artistica salvifica e gnoseologica, poiché, come afferma Franco Piccione, "è proprio nel rendere ineluttabile la coscienza che interviene la mediazione dell'Artista, laddove l'uomo comune non è più in grado di scindere l'immagine dalla funzione".

Aldo Paletta dirà di lui “C’è più psicanalisi in Sòlas che nelle intere opere di Freud e Jung messe insieme”.

Credo che questa mostra di Gambettola offra un’irripetibile occasione per chi già conosce Sòlas di rispecchiarsi ancora nelle sue opere e per chi ancora non lo conosce, di conoscere in primis se stesso.

                                                                                         Ermete Paletta

Gambettola, giugno 2013

Nota del curatore: Nel presentare questo catalogo, ho voluto accompagnare le opere con aneddoti o commenti di chi ha conosciuto Sòlas personalmente, come mio padre Aldo Paletta, come Demetrio Malavasi, Attila Frustalupi, Rupert Musazzi, Franco Piccione e altri suoi contemporanei.

Opere pittoriche

"Qualcuno ha visto per caso la mia ciabatta?", 1928

olio su tela, 35x35 

collezione privata Bagno Armando, Cesenatico

“Una vera superficie algebrica, il ciabattoide quartico.” (Rupert Musazzi)

“La ciabatta singola dell’opera di Sòlas va letta come allegoria del destino dell’uomo moderno, condannato ad essere monco di una parte indispensabile di sé, pur nella sua individuale completezza”. (Attila Frustalupi)

"Due mosconi", 1932

matite colorate su carta, 20x40 

collezione privata Bagni Monello, Igea Marina

“Sòlas gioca sull’ambiguità dei significati nell’identità dei significanti: l’ominimia fenomenica trascende la raffigurazione mentale nel momento in cui ne scaturisce un’emozione sovrapponibile per intensità e, soprattutto, profonda consapevolezza” (Franco Piccione)

"Uomo affogato a Gabicce Mare", 1933

Acquerello su carta liscia, 45x 35

collezione privata Stazione Supercortemaggiore, 

km.114 s.s. 16 Adriatica.

“Il tema della morte viene interpretato da Sòlas in una dimensione di assenza: non sparizione, o mancanza, ma indelebile traccia di un passaggio che traccia non lascia. L’esistenza ne emerge pertanto illusoria, inesistente nei suoi aspetti meramente materiali, ma assoluta sul piano emozionale” (Franco Piccione, conversazione con Bruno Capello e Attila Frustalupi)

"Tre ciappetti", 1937

olio su tela di lino, 200x100

collezione privata Ferramenta F.lli Ciani, Bellaria

Nell'ultimo decennio della sua vita, quando ormai aveva esplorato tutte le avanguardie, rivisitandole alla luce del sens de l'absurde proprio del Banalismo Francese, Sòlas ritrova nel quotidiano la fonte di ispirazione che gli permetterà di realizzare i suoi maggiori capolavori.

Attila Frustalupi, davanti a questo incredibile dipinto, ebbe a dire:" Mi farebbero comodo", come a voler sottolineare l'urgenza esperienziale che attraversa tutta la pittura del Sòlas più maturo e, quindi, definitivo.

"Yin, Yang", 1939

Olio su tela 100x220

collezione privata Merceria Wilma, Cervia

“Al di là della mutanda, significante di per sè non a sua volta significabile, Sòlas ci mostra una realtà che non ha il coraggio di mostrarsi, tanto da perdere significato. L'esile sostegno che regge le mutande - vuote - è uno schiaffo all'ipocrisia che vuole nel simbolo l'essenza, ormai perduta a favore della mera apparenza”. (Aldo Paletta)

"La condizione umana, autoritratto", 1941

tecnica mista, 22x20, 

collezione privata Sanitaria Dott. Sangiorgi, Viserbella

Ormai prossimo alla morte, Sòlas dipinge questo capolavoro, sintesi di una ricerca portata all'estremo concettuale dell'opera d'arte come parte di un sè che si vorrebbe integro, ma che inconsciamente risente di quella raffigurazione sociale del sè che ne impedisce la libera espressione.

Si dice che Demetrio Malavasi, la prima volta che vide questo quadro, esposto postumo, svenne. Dirà poi: "Mi ci sono riconosciuto, come se mi fossi guardato allo specchio senza essermi mai visto prima" (Demetrio Malavasi, conversazione con Aldo Paletta)

"Il ventre della coscienza", 1940

tempere a olio su carta, 10x15

collezione privata Sanitaria Dott. Sangiorgi, Viserbella

Nel suo volume "Sòlas e la pittura eventuale", 1966, Edizioni d'Arte Aldo Paletta, Cesena, Demetrio Malavasi sottolinea come Sòlas risulti pessimista solo ad un'analisi superficiale, poiché in tutta la sua opera, caratterizzata da una profonda ironia, la condizione umana più che disperata, ne emerge irrimediabilmente grottesca ma, benché svuotata di un autentico senso di sè, in grado di osservarsi e di esprimere un giudizio inclemente e intellettualmente onesto laddove venga liberata dal desiderio di apparire.

Sculture

"L'eterno Femminino", 1929

scultura in metallo

collezione privata Casalinghi Ricci Luciano e Figli, Gambettola

“Il primo Sòlas scultore è già in grado di ridurre il segno all'essenzialità, in un impatto visivo ed emozionale nel quale lo spettatore non solo si identifica con l'opera, ma è l'opera stessa”. (Aldo Paletta)

"C'è l'eco dei ready-made di Duchamp, ma mediato da una profonda consapevolezza interiore, da una visione concettuale che anticipa la pop art". (Rupert Musazzi)

"Homo Homini Penis", 1929

scultura in metallo

collezione privata Casalinghi Ricci Luciano e Figli, Gambettola

"L'uomo di Sòlas è immerso in una irrimediabile solitudine, vittima di se stesso e della propria autoreferenzialità genitale. E' una visione cruda, critica verso il maschilismo dell'epoca, ma al contempo fiera, quasi eroica: è il ritratto del maschio guerriero per volere sociale, disperatamente aggrappato al potenziale del proprio pene". (Aldo Paletta)

 “...è proprio nel rendere ineluttabile la coscienza che interviene la mediazione dell'Artista, laddove l'uomo comune non è più in grado di scindere l'immagine dalla funzione. L’ uomo effettua infatti un'autopenetrazione, con il suo piccolo pene, nel grande pene sociale, immagine di potenza, ma castrante, in quanto vincolo alla propria identità di maschio”. (Franco Piccione)

"Pomposa di notte", 1931

scultura in metallo

collezione privata Casalinghi Ricci Luciano e Figli, Gambettola

"Sòlas paesaggista, nella pittura ma ancor di più nella scultura, svuota l'ambiente di ogni rumore di fondo, ed è in questo vuoto che può espandersi l'emozione e conferire alla forma simbolica una verità più autentica della realtà stessa." (Franco Piccione)

"... la slanciata eleganza del campanile, lama nel cielo, la moltiplicazione dei rosoni sulla facciata, a richiamare la luce solare e divina sui fedeli, il timpano trasparente, a dire che in questa casa nulla vi è da nascondere..." (Rupert Musazzi)

"Gravitazione Universale", 1937

scultura in metallo

collezione privata Ferramenta F.lli Ciani, Bellaria

"Sòlas scultore osserva la natura con lo stupore di un bambino e la interpreta con la disillusione dell'uomo moderno" (Attila Frustalupi in "Perchè investire in Sòlas, guida alla personale dell'Artista", Magazzini F.lli Ciani,  Bellaria, 1940, con il patrocinio di Aldo Paletta Edizioni d'Arte)

"Gravitazione Universale si regge su un supporto in resina trasparente, fortemente voluto da Sòlas per mettere in risalto l'idea dell'universo nel quale si muove ogni piccolo o grande sistema. E' interessante notare come l'Artista abbia voluto rappresentare la gravitazione in modo squisitamente meccanico, come se bracci metallici regolassero i rapporti tra i corpi celesti”. (Franco Piccione)

"La Piramide Sociale", 1937

scultura in legno e metallo

collezione privata Panificio Zaira Pane e Pasta, Cotignola

“Considerata l'opera più politica di Sòlas, rappresenta un atto di coraggio per l'epoca storica in cui fu realizzata e non pochi vi intravidero un messaggio e un incitamento alla ribellione rivolto al popolo, purtroppo grezzo e inconsapevole del proprio potere rispetto alla raffinatezza lucente delle classi dominanti. A causa di quest'opera Sòlas fu arrestato, interrogato e poi rilasciato, ma per un lungo periodo l'OVRA lo tenne sotto stretta sorveglianza. La reazione di Sòlas fu realizzare un dipinto con il medesimo soggetto”. (Demetrio Malavasi)

“Ettore”, 1939

scultura in metallo

collezione privata Casalinghi Ricci Luciano e Figli, Gambettola.

“ La sproporzione del corpo del guerriero, saldamente ancorato alla sua natura terrena, che non arretra di fronte alla paura della morte, sottolinea ancora una volta il ruolo sociale imposto all’uomo, che penalizza la coscienza di sé e lo avvicina allo spirito -emozione, pathos, empatia- solo con quell’artificiosa proiezione dello stesso sé costituita dall’arma, prolungamento del pene, ma altro-da- sé. Nel gioco dei ruoli, l’uomo non può che essere perdente se non capovolge il suo punto di vista e non si riappropria dell’essenza oltre la forma e l’archetipo” (Franco Piccione, conversazione con il suo psicanalista)

“Andromaca”, 1939

scultura in metallo

collezione privata Casalinghi Ricci Luciano e Figli, Gambettola

“...la donna con grandi seni, grande cuore e grande testa, reiterazione fenotipica della sfericità uterina, è interamente protesa all’accoglienza senza bisogno di maschere, quindi è la sola che può accedere alla realtà attraverso l'emozione. In questo Sòlas si può definire femminista ante litteram, eterno figlio, insaziabile amante, ammiratore della Donna-casa-rifugio-nutrimento, aperta in ogni poro a generare e ri-generare il maschio smarrito al quale la guerra non dà più occasione di riscatto emotivo.” (Franco Piccione, conversazione con Rupert Musazzi).

Torcuato Sòlas tra psicanalisi e isolamento del simbolo

Gambettola, 21 giugno/23 settembre 2013

Magazzino Casalinghi Ricci Luciano e Figli, Viale Risorgimento 31

Aperta dal martedì alla domenica, ore 10-19

Con il patrocinio di:

Fondazione Edizioni d’Arte Aldo Paletta, Cesena

Ferramenta F.lli Ciani, Bellaria

Casalinghi Ricci Luciano e Figli, Gambettola

<Grazie a Kees Popinga, Brother in Blog, che ha raccolto le testimonianze di Rupert Musazzi>

La Truzzeide -cap.5: Il migliore amico del Truzzo

Non voglio tergiversare, anche se un po’ suspense sarebbe opportuna: il Truzzo ha un cane.

L’ha preso lo scorso autunno, quando ha smontato il gazebo.

Un bel giorno è arrivato con un cucciolo, e quando l’ho visto zampettare sulla terrazza, accompagnato dai gridolini di entusiasmo della Truzza e dagli inviti a giocare del Truzzino, ho avuto un calo improvviso di pressione.

Mi sono immaginata scenari apocalittici, nei quali il cane truzzo abbaiava senza motivo per ore, sempre durante le mie penniche, o di notte, nell’indifferenza dei padroni, o addirittura incitato da loro ad aggravare la situazione di molestia che l’intera famiglia è in grado di creare anche senza quadrupedi.

Invece no, il cane truzzo si è rivelato di una levatura culturale ben superiore a quella dei padroni: non abbaia mai, al più emette qualche suono di soddisfazione quando gli tirano una pallina o attende la ciotola del cibo. 

A volte ho persino l’impressione che quel suo certo girare intorno alle gambe dei Truzzi mentre schiamazzano, sia una sorta di danza di disapprovazione che attua nel tentativo di educare i padroni, purtroppo senza alcun successo.

Quindi, passati i primi giorni di terrore, il cane truzzo ha guadagnato tutta la mia stima.

A voler essere onesti, il cane è truzzo solo nell’aspetto, perché nei comportamenti pare invece creatura di un certo spessore, di notevole acume e profondamente simpatica.

Si tratta di un maschio di pastore tedesco bonsai, di corporatura robusta e brevilinea, che fa pensare che il sangue del nobile antenato lupo sia stato stemperato nel tempo da generazioni di attrazioni fatali. 

Il muso affilato è sovrastato da due grosse orecchie da pipistrello in grado di assumere geometrie insolite, le gambe sono corte e piuttosto storte, la coda -seppur mobilissima- è una specie di cordolo con poco pelo raso.

Da amante dei cani lo apprezzo, ma onestà intellettuale impone di dire che la sua bellezza è alquanto soggettiva.

Diciamo che è un tipo.

Durante i primi giorni dopo il suo arrivo, il Truzzo e la Truzza hanno discusso a lungo per decidere il nome. Il Truzzo si è orientato su Skorpion, e la cosa non mi ha per nulla sorpresa: uno che chiama il suo primo figlioletto Morgan, non può che avere un cane con un nome coerente.

La Truzza, invece, in un moto di sobrietà che evidentemente non ha avuto quando s’è trattato di dare un nome al figlio, ha insistito molto per Pippo, che se non brilla per originalità, almeno è un nome da cane e non da killer sociopatico.

Dopo animate trattative, hanno deciso, a dispetto di ogni manuale di educazione canina, che ciascuno l’avrebbe chiamato come preferiva. 

Il cane se n’è fatto subito una ragione e ha sempre risposto a entrambi: sono convinta che di come lo chiamino loro lui se ne freghi altamente, poiché il suo nome lo sa benissimo, e che li lasci fare, consapevole della sua superiorità.

Ritengo che il cane dei Truzzi dentro di sé si chiami Gianmaria.

In ogni caso, era evidente che il Truzzo si fosse preso Skorpion/Pippo/Gianmaria per farne un feroce cane da guardia, se non da combattimento, oltre che una buona compagnia quando traffica in garage per realizzare qualche grande opera avveniristica mentre il Truzzino è alla scuola materna.

Gianmaria invece si rivelato subito refrattario a qualsiasi tentativo di addestramento.

Per tutto il mese di settembre e per buona parte di ottobre, il Truzzo si svegliava di buon’ora, faceva fare un giro al cane nel giardino condominiale -senza raccogliere mai nulla, finché qualcuno non gliel’ha fatto notare, forse lo stesso Gianmaria- poi trascorreva qualche ora a promettergli bocconcini prelibati se lui si fosse seduto, accucciato, steso, alzato, girato, messo a pancia all’aria, o avesse riportato oggetti a comando, secondo un sistema di ordini in tedesco. Forse lo riteneva di madrelingua teutonica.

Tutto questo con in mano un dizionario essenziale Truzzo/Cane, che consultava in continuazione, bestemmiando qua e là per non perdere l’abitudine.

A volte Gianmaria assumeva una certa posizione prima che il Truzzo gli avesse dato il relativo comando, costringendolo ad andare a verificare a posteriori sul dizionario come si dice in tedesco quello che il cane aveva fatto per conto suo.

Scena tipo: Gianmaria si metteva seduto, il Truzzo: “Che caz... -sfogliava il libretto di istruzioni per cani- ah, sì: Skorpion sitz!”. Gianmaria lo guardava traboccante di affetto, ma anche con una certa commiserazione, restava immobile finché il Truzzo non appariva soddisfatto del comando postumo, poi si alzava, si girava e gli portava una palla. Il Truzzo: “ ‘spetta...sì, no, ah ecco: Skorpion bring! Bring la pallina, bravo cane!”.

Così per più di un mese, finché Gianmaria non s’è scocciato di far giocare il padrone ed ha preso ad andare in giro da solo.

Tutto è avvenuto in modo molto casuale. Il Truzzo si era portato Gianmaria in garage e mentre era concentrato a mettere a punto qualcosa di determinante per l’umanità -forse una macchina in grado di viaggiare nel tempo- il cane, che stava esplorando il giardino condominiale, ha trovato il cancello aperto ed è andato a fare due passi fuori. 

Solo che è rimasto in giro per sei ore.

É stato un pomeriggio di panico generale, con il Truzzo che gridava disperato “Skorpion” da una parte all’altra dell’isolato con voce stentorea, la Truzza che è tornata dal lavoro e ha preso a insultare il marito, il Truzzino che piangeva e buona parte del vicinato mobilitata alla ricerca di un cane che in realtà nessuno aveva mai visto, perché prima di allora nessuno si era preoccupato di portarlo fuori dal giardino condominiale. 

Nel giro di un paio d’ore l’intera zona era tappezzata di fotografie di Gianmaria, che peraltro non rendevano pienamente giustizia alla sua bellezza fuori dai canoni.

Era passata ormai l’ora di cena quando Gianmaria è tornato, tranquillissimo, scodinzolando con quello scopino secco che si porta dietro, ha reclamato i croccantini e, nonostante il pistolotto durissimo del Truzzo, non ha mostrato il benché minimo rimorso.

Credo che questo abbia convinto i Truzzi a inserire al cane il microchip di riconoscimento, ma non ha impedito a Gianmaria di andarsere per i fatti suoi ogniqualvolta trova il cancello aperto.

Lo si incontra spesso da solo ai giardinetti, mentre socializza con estrema cortesia con altri cani, o lo si vede annusare misteriose piste tra i palazzi del quartiere, mentre svolge indagini alla ricerca di qualche gatto -che poi non insegue, ma si limita a guardare muovendo la coda.

Sono i suoi momenti di decompressione, quegli spicchi di quiete e civiltà che si ritaglia per sopportare la convivenza con i Truzzi.

Anzi, io credo che Gianmaria sia una creatura superiore che sta scontando una terribile retribuzione karmica con questi padroni evidentemente inadeguati a lui, e che lo scopo della sua esistenza sia quello di mostrare loro cosa significa stile, buona creanza, rispetto per gli altri.

Penalizzato da una nascita plebea, nasconde un animo nobilissimo e, a guardarlo con attenzione, se si prescinde da alcuni dettagli ai quali con il tempo si fa l’abitudine, è anche un gran bel cane.

-continua-

<Trattandosi di opera di fantasia, ogni riferimento a persone esistenti o a fatti realmente accaduti è puramente casuale>

Un itinerario gastronomico attraverso il Principato di Seborga

Il piccolo Principato di Seborga, perla di rara bellezza incastonata tra le Alpi Occidentali e il Mar Ligure, è noto in tutto il mondo per la ricchezza e la prelibatezza della sua cucina, antichissima per tradizione, ma pure capace di riletture in chiave moderna di quella rara commistione di sapori e varietà di ingredienti che la identificano.

Il Principato di Seborga, per la sua fortunata posizione geografica, gode di clima mite tutto l’anno e questo permette di coltivare ogni sorta di pianta commestibile, anche grazie alle imponenti opere di terrazzamento realizzate su tutto il suo territorio. Vi vengono coltivate in particolare melanzane, scalogni e fave, e tra i frutti fragole e albicocche.

Il microclima seborgano, o seborgese, risulta soprattutto assai favorevole alla coltivazione delle arachidi, dalle quali gli abitanti traggono in primo luogo un olio molto saporito, che viene aromatizzato in molti modi ed esportato in tutto il mondo, ma che rappresentano anche un elemento alla base di molti piatti e condimenti.

Il terreno, aspro ma generoso, consente inoltre la crescita spontanea di una particolare erba, che costituisce cibo elettivo per il muflone, grosso caprino dalla carne eccellente, che i seborgani, o seborgesi, allevano cucinano in un migliaio di modi: il muflone sta infatti alla cucina seborgese, o seborgana, come il baccalà a quella portoghese. 

Con il suo latte inoltre vengono prodotti formaggi e preparati squisiti dolci, ma soprattutto da esso si trae la panna, usata come accompagnamento per molti piatti tradizionali.

Le pitture rupestri delle Grotte del Muflone, località poco distante dal capoluogo, testimoniano come il rapporto della popolazione seborgese, o seborgana, con il nobile Ovis Musimon abbia radici antichissime. 

Sono numerose le fonti che parlano della Muflomachia, praticata nel territorio seborgano, o seborgese, fino dal II sec. a.C., 

Questa tradizione si è tramandata fino ai giorni nostri attraverso la Festa del Muflone Candito, che si conclude dopo tre giorni di libagioni con la suggestiva corsa del muflone lungo le vie della città: l'allegoria vuole che un giovane animale, incoronato e addobbato con il drappo del Principato, venga inseguito da un gruppo di adolescenti, a loro volta travestiti da mufloni, in una sovrapposizione di ruoli dalla forte valenza catartica.

Va detto, tuttavia, che molto spesso per preparare i secondi di muflone, vengono usate carni bianche, in particolare di pollo o tacchino, o viceversa, il che dà luogo a una certa ambiguità, specialmente sui menu dei numerosi ristoranti del Principato: il petto di pollo di muflone alle acciughe vanigliate, o il carré di tacchino di muflone alla griglia, così come le cosce di muflone di pollo al forno con le fave, sono piatti che capita frequentemente di trovare sulle carte, ma se non ne risultano chiari gli ingredienti, la loro squisitezza fa ben presto dimenticare la confusione.

L’ultimo alimento alla base di questa gustosa cucina è il tonno: benché Seborga non affacci sul mare, tuttavia la tonnara di Seborga fornisce al Principato grandi quantità di questo pesce, di una qualità assai pregiata. 

Il tonno a Seborga viene servito sotto forma di tisana digestiva, o drenante nei casi di gotta e infiammazione renale, come olio essenziale per fumenti, impacchi e cataplasmi, oppure fresco: come piatto di mezzo o come antipasto, se ne fa un carpaccio con le frittelle di seitan e fragole. 

In autunno, nei boschi frondosi di Seborga, è possibile trovare il tartufo rosso, una qualità di tubero esclusiva della zona, dotata di profumazione particolarmente intensa, quasi un retrogusto di muflone.

Da sempre crocevia di culture, Seborga ha raccolto nella sua cucina i tratti caratteristici di ciascuna di esse, un un’originale rivisitazione, una sorta di sincretismo gastronomico che ha reso il piccolo Principato uno dei colossi mondiali del mangiare bene.

Oleb di Seborga
(Ritratto di autore sconosciuto)
Palazzo dei Principi

La tradizione seborgese, o seborgana, della buona tavola è testimoniata anche storicamente dall'imponente figura del Principe Oleb (1276-1361), il longevo sovrano che si dilettava tra i fornelli, al quale si attribuiscono numerose ricette, in particolare i tortelli ripieni di polenta, il muflone marinato con le acciughe e il budino caldo di fragole, arachidi e latte di muflone.

La statua di Oleb, che troneggia nella piazza principale della vecchia Seborga, lo raffigura infatti a cavallo di un muflone con un mestolo nella mano destra, mentre con la sinistra reca un vassoio sul quale ogni giorno i seborgesi, o seborgani, depongono da più di seicento anni un budino appena cucinato.

Nel 1975, per iniziativa della Principessa Marisa, e del suo consorte Principe Pier Leandro, è stata compilata una raccolta dei piatti tradizionali della cucina seborgese, o seborgana. Non si tratta di di un semplice ricettario, ma di una sorta di codifica definitiva delle pietanze del Principato e dei procedimenti corretti per prepararle secondo le usanze locali.

Ma cosa serviremmo in tavola, se volessimo preparare un tipico pranzo seborgano, o seborgese, per i nostri ospiti?

Dovremmo iniziare certamente con un antipasto, scegliendolo magari tra il carpaccio di muflone con scaglie di arachidi e panna montata, il muflone tonnato con crema fredda di melanzane e la spuma di muflone in gelatina.

Se i primi due piatti sono più indicati per la bella stagione, l’ultimo è tipico invernale, tant’è che è la pietanza che apre ogni pranzo o cenone durante le feste natalizie. 

Per realizzarlo il muflone va completamente disossato e sottoposto a triplice salatura, ciascuna della durata di un mese, intervallate da una settimana di macerazione prima nell’aceto, poi nell’olio di arachidi e infine nella panna. Alla fine della terza salatura, la carne viene aromatizzata con varie spezie e infine tritata con pasta di acciughe, una melanzana, uno scalogno, una manciata di fave lessate e poi messa in gelatina, in stampi singoli, o in un grande stampo da plum-cake per essere tagliata a fette. Guarnito con le immancabili scaglie di arachidi e spolverato di tartufo, questo piatto oltre a essere ottimo, è anche molto bello ed elegantissimo da servire in tavola.

Nell’usanza seborgese, o seborgana, tra un piatto e l’altro si assaggia una fetta di formaggio e si beve un abbondante bicchiere di vino, pertanto dopo il nostro antipasto è consigliato un bocconcino di mozzarella di muflone accompagnato dal Cortese di Seborga, un bianco leggero dalla boccata acidula, che ben si sposa con la complessità di sapori dell’antipasto e prepara il palato al successivo primo piatto.

Tra i primi, spiccano certamente i cavatappi al ragù di muflone, tonno e fave, le lasagne di tonno e arachidi e, soprattutto, la grande invenzione del vecchio Principe Oleb: i tortelli ripieni di polenta. 

Per prepararli si stende una sottile sfoglia di pasta all’uovo, che si riempie di palline di polenta gialla, condita con ciò che si preferisce: tonno, arachidi, fave, scalogno e melanzane sono gli ingredienti privilegiati della cucina seborgese, o seborgana, che più frequentemente troviamo nel ripieno dei tortelli di polenta, ma è possibile usare anche alcune primizie che giungono a Seborga dal vicino Piemonte o dal territorio Ligure - del quale il Principato rappresenta un enclave- in particolare castagne e acciughe

Chiuso il ripieno in una specie di caramella di pasta, si fanno bollire i tortelli nel brodo di carne di muflone con sedano, carota e cipolla, poi si scolano bene con la schiumarola e si servono conditi rigorosamente con burro, panna montata e una spolverata di tartufo. 

Talvolta i tortelli vengono consumati in brodo, che viene preparato più denso, immergendo nella pentola una spugna naturale, che viene tolta a fine cottura.

Un discorso a parte merita la zuppa di piume di piccione con caciomuflone e fave, poiché viene servita sia calda -come consommé- ma più spesso ghiacciata, una sorta di gazpacho seborgano, o seborgese, retaggio della dominazione degli Iberi durante il IV sec. a.C. 

Accompagnata da un abbondante bicchiere di Lacrima di Seborga, rosé leggero dal bouquet speziato, chiude la prima parte del pranzo seborgese, o seborgano e impone una pausa prima di passare ai secondi piatti.

Il gustoso muflone candito apre la parata dei secondi, gigante delle pietanze per armonia di sapori, frutto di una lunga procedura, che richiede l’impegno di almeno due cuochi per una settimana. 

Carrè di muflone candito

Il muflone candito, infatti, va cucinato intero in una larga casseruola, a fuoco lentissimo, in un fondo zuccherino che non deve mai coprirlo del tutto. Ad un letto di scalogno, melanzane, arachidi e fave, si aggiunge un po’ alla volta un vino bianco secco - ideale un Pinot grigio dell’Altocolle Seborgano, o Seborgese- fino a farlo addensare. Si aggiunge il muflone intero, corna e pelo compresi, e lo si fa rosolare girandolo spesso per due giorni, operazione che richiede che il muflone venga imbragato e venga installata una carrucola in cucina (anche se ogni casa seborgana, o seborgese, di fatto ne ha già una, proprio per poter cucinare questo piatto prelibato).

Quando la carne risulta uniforme, si aggiunge il brodo zuccherato e si copre il tegame, avendo cura di controllare ogni dieci-quindici minuti, che il livello del liquido sia costante, rigirando il muflone delicatamente ogni cinque o sei ore in modo che non si spezzi. Dopo quattro giorni di questa cottura, finalmente si possono aggiungere le castagne e, a cottura quasi ultimata la panna.

Nella variante estiva alle castagne vengono sostituite fragole o albicocche.

Ma si sbaglia chi dovesse pensare che i secondi piatti seborgesi, o seborgani, si fermino qui.

Si contende il primato della pietanza da principi anche l’ottima alce ripiena di albicocche, servita con le fave alla crema di cacao. Accompagnato da un bel bicchiere di Gorgoglio Reale di Seborga, rosso corposo dal gusto rotondo, con quel suo caratteristico bouquet di humus e peonia, questo piatto è la perfezione, ma è stato introdotto nella cucina del Principato solo in tempi moderni, sostituendo con l’alce il muflone, variante che ha reso questo piatto inviso ai puristi.

Fave in umido con scalogno e prosciutto di muflone

Non dimentichiamo però i cordon bleu di tonno con panatura di farina di fave, le polpette di muflone con scalogno melanzane e arachidi, il delizioso arrosto di petto di muflone farcito di tonno e albicocche, l’aromatico tonno allo scalogno e crema di melanzane.

L’autentico pranzo seborgese, o seborgano, procede con il tomino di muflone con purè di fave e con le melanzane alle arachidi, accompagnati dal superbo Primitivo di Seborga, rosso profumato a 14°, dal colore rubino assai brillante, prodotto unicamente dalla Casa Regnante.

In chiusura, il budino caldo di fragole, arachidi e latte di muflone, che nella ricetta originale prevederebbe la guarnizione di scalogno caramellato, andata persa in tempi moderni. 

Budino caldo di fragole, arachidi e latte di muflone, con scalogno caramellato

È proprio il caso di dire che il pasto seborgese, o seborgano, è veramente principesco, ma non può dirsi veramente concluso se non lo si fa seguire da una tisana di tonno e da un bicchierino di Amaro del Principe, una miscela digestiva ottenuta dalla macerazione di zampe di muflone con quaranta erbe, secondo una procedura il cui segreto è custodito dai frati del monastero della Beata Marisa di Seborga: il prodigioso liquore consente di alzarsi da tavola leggeri, conservando negli occhi lo spettacolare panorama di cui si gode dalla rocca del piccolo Principato, nel cuore il ricordo di una terra che difende gelosamente le proprie tradizioni, e nel palato l’esperienza unica di una cucina ricca di suggestioni e impregnata di storia.

Locali consigliati:

Antica Hostaria Al Corno del Muflone ***

Via Corno del Muflone 1, Seborga

Tra specchi e stucchi, fiori e dipinti, capiterà di sedersi sui velluti rossi del tavolo che ospitò i Principi Marisa e Pier Leandro di Seborga. Cantina eccellente, possibilità di degustare il Prestigioso di Seborga, brut millesimato in bottiglie numerate.

Cucina tradizionale  Menu: 55€/ 80€ - Carta: 73€/106€

Chiuso il lunedì

La Cava dell’Arachide e della Fava **

Via dell’Arachide 23/a, Seborga

A prima vista può sembrare una semplice trattoria, ma non lasciatevi ingannare: il locale propone la cucina tipica seborgana, o seborgese, elaborata e fragrante. Ampia scelta di vini e formaggi.

Cucina tradizionale Carta: 36€/70€

Aperto solo la sera, i festivi anche a mezzogiorno.

Sala da cerimonie.

Nonsolomuflone *

Via Circonvallazione Del Muflone Candito 107, Seborga

Ambiente informale, pizzeria, stuzzicheria, propone ampia scelta di pizze tipiche seborgesi, o seborgane, crostini, panini e kebab di muflone. Buona scelta di birre, tra le quali la Scarlet Musimon Wine, rossa ad alta gradazione di produzione locale.

Pizza, cucina tradizionale rivisitata, cucina etnica Carta: 18€/35€

Aperto tutti i giorni. Accetta prenotazioni. Dopo mezzanotte.

Arnaldo Biserani pittore: un contributo

Il 19 marzo 1963, per un tragico incidente nello studio di Lucio Fontana, moriva il pittore e poeta Arnaldo Biserani (1905-1963) artista che con la sua opera segna un punto di svolta nelle avanguardie romagnole di metà del Novecento.

La giovinezza - Arnaldo Biserani nasce a Lugo di Romagna nel 1905, quarto dei sette figli di Severino Biserani e Argentina Bernabè.  

A otto anni perde la madre, che muore di parto nel dare alla luce il fratello Ultimo, ma viene cresciuto dalle amorevoli cure della sorella maggiore Adua (1899-1978), alla quale resterà legato tutta la vita e che costituirà un punto di riferimento costante di tutta la sua poetica.

Allo scoppio del primo conflitto mondiale si trasferisce presso lo zio Errico a Porto Corsini, dove prequenta l’oratorio della Parrocchia e dove Don Dante è il primo ad accorgersi della sua spiccata sensibilità poetica e pittorica. 

Il religioso insiste quindi perché il piccolo Arnaldo venga mandato in seminario per proseguire gli studi, ma il padre stenta a credere che quel ragazzino allegro e incline alla burla possieda uno speciale talento. Sarà proprio Adua a convincere Severino Biserani a lasciare che Arnaldo si rechi a Cervia, presso il convitto dei Padri Scolòpi, dove resterà fino a due anni dopo la fine della Grande Guerra. 

Gli esordi artistici - Dal 1926, nonostante abbia iniziato a lavorare presso la piccola azienda ittica di famiglia, il Biserani frequenta alcuni coetanei della zona, con i quali forma quello che in seguito verrà chiamato “Il cenacolo di Porto Corsini”, gruppo di giovani con velleità artistiche che ruota intorno a Torcuato Sòlas, eclettico pittore, scultore e incisore aperto alle nuove correnti artistiche europee. Frequenta per qualche mese anche Eros Amadori e il circolo della cosiddetta Scuola di Brisighella, che abbandona per contrasti artistici con gli ideali futuristi e avicoli di quell’ambiente intellettuale. 

É in questo contesto che il Biserani conosce Dello Feltraro (Cervia, 1909-1992), con il quale instaura una profonda amicizia e un importante sodalizio artistico, che durerà più di un ventennio. 

É proprio insieme a Dello Feltraro che il Biserani ha occasione di conoscere Attila Frustalupi, ristoratore, critico e mecenate, che in seguito curerà tutte le mostre dei due e la commercializzazione delle loro opere.

Frustalupi riconosce il talento dei due giovani artisti romagnoli quando nota una loro opera, un trompe l'œil sulla parete in fondo a una sala del Ristorante “da Romano Al Pescatore” a Casal Borsetti, raffigurante una marina estiva in un giorno di garbino.

Gli anni che seguono sono quindi determinanti per la formazione della sensibilità del Biserani: attraverso la guida artistica e le conoscenze di Sòlas - e sostenuto economicamente da Frustalupi che acquista tutti i suoi dipinti, benché ancora acerbi in confronto ai capolavori che realizzerà in seguito - Arnaldo Biserani può avvicinarsi all’opera dei maggiori esponenti della pittura europea dell’Ottocento e Novecento.

Il carattere e la tragica fine - L’uomo Biserani, così come lo ricordano la sorella Adua e gli amici, era dotato di un carattere allegro e portato alla burla.

Il suo umore si rabbuiava solo se alle dodici e mezza non era ancora pronto in tavola.

La sua risata era inconfondibile e contagiosa, ma molti colleghi lo detestavano proprio per questa indole semplice e giocosa e per i suoi scherzi, di cui spesso erano vittime.

Il gusto per gli scherzi, del resto, gli costò la vita. 

In visita nello studio del collega Lucio Fontana, si nascose dietro una tela con l'intento di farlo spaventare, proprio mentre il maestro la colpiva con una lama affilatissima per uno dei suoi famosi tagli.

La testa di Arnaldo Biserani rotolò, mentre in suo robusto corpo ormai senza vita si accasciò davanti a un impassibile Fontana.

Le opere principali -  Arnaldo Biserani lascia un centinaio di dipinti, tra tele e affreschi. Le sue opere fanno parte principalmente di collezioni private, in particolare della trattoria “Il Vascello” di Cesenatico, dei ristoranti “Il Rombo da Luigi” a Cervia e il già menzionato “da Romano al Pescatore” di Casal Borsetti, oltre ad alcuni capolavori esposti all’Art Museum e al Museo delle Terme del Beato Alessio di Riccione e alla ricchissima raccolta di Frustalupi.

Agli eredi Biserani resta invece prezioso materiale bibliografico: lettere, appunti, taccuini di poesie, schizzi e alcuni disegni di studio per le tele a olio.

Nel 2013, per il cinquantennale dalla morte dell’artista, è stata organizzata a Lugo, sua città natale, una retrospettiva che vede esposte settantacinque delle centosei opere a lui attribuite, tra le quali i celebri dipinti "Mio zio Luganega" (1935), "Natura morta con piadina" (1941), "E pèss” (il pesce, 1945) e  "La solitudine della salsiccia" (1954).

Arnaldo Biserani pittore

La vicenda pittorica di Arnaldo Biserani si snoda attraverso varie fasi, durante le quali l’artista romagnolo sperimenta tecniche e suggestioni di provenienze assai diverse, alla ricerca di un linguaggio che possa sintetizzare il suo obiettivo comunicativo: un’Arte in grado di mediare la tendenza umana verso l’assoluto, ma fruibile e assimilabile nell’immediato da chiunque.

Tutto il suo percorso umano e stilistico volge alla semplificazione dell’impatto visivo del quadro, considerato mero mezzo significante, spogliato di un suo valore in sé, ma nobilitato dalla percezione di chi ne fruisce e dalle emozioni che ne scaturiscono.

É quindi evidente che in questo contesto i primi passi dell’artista muovono nell’ambito degli Impressionisti prima, e della Scuola Francese poi, movimenti  verso la cui estetica il Biserani sente una forte attrazione, e che resteranno alla base dell’ispirazione e della tecnica della sua opera, soprattutto nell’uso della pennellata frequente e nervosa, talvolta al limite del puntinismo, pur con tratti di esasperata modernità.

Di questa fase, che dura fino ai primi anni Quaranta, il primo esempio veramente significativo è rappresentato dal cosiddetto “Trittico dei Pierrò”, costituto da tre olii su tela che gli furono commissionati dalla trattoria “da Romano, al Pescatore” di Casal Borsetti nel 1930, e che ancora fanno parte di questa ricca collezione.

"Pierrò triste", 1930 olio su tela, 

collezione trattoria "da Romano, al Pescatore" Casal Borsetti

"Pierrò allegro", 1930, olio su tela,
collezione privata  trattoria "da Romano, al Pescatore" Casal Borsetti

"Pierrò così così", 1930, olio su tela,
collezione privata trattoria "da Romano, al Pescatore" Casal Borsetti

Per tutto questo periodo l’artista di riferimento del Biserani è principalmente Renoir, del quale il pittore romagnolo condivide la predilezione per la saturazione del colore e i giochi di luce, ma anche nella rappresentazione di temi popolari sono evidenti i punti in comune con il Maestro francese.

E’ proprio nello sperimentare il colore che l’artista di Lugo mette a punto quello che per lungo tempo sarà una sorta di firma delle sue opere: il rosso Biserani, che compare sempre nei suoi quadri e che solo nelle ultime fasi della carriera verrà stemperato in tinte più tenui. 

Questo punto di rosso, pare fosse ottenuto mescolando Salsa Rubra e carminio, mantenuti stabili da un fissatore per baffi e capelli.

Va notato, tuttavia, che nelle opere del Biserani, a differenza di quelle di Renoir, il nudo compare una sola volta, in un dipinto del 1934. Il pittore romagnolo, infatti, aveva fama di grande tombeur de femmes  e dopo la prima esperienza con la modella Nives Biancacci, che fu sua amante fino al 1937, nessuna fu più disposta a posare per lui, neppure la stessa Nives durante la loro burrascosa relazione.

"Nives nell'alba rossa", 1934

tecnica mista

collezione Eredi Biancacci

"Mio zio Luganega", 1935

 tecnica mista,

collezione privata Attila Frustalupi

Questo primo periodo termina però bruscamente nel 1942, con due opere dello stesso anno, che testimoniano il travaglio stilistico del Biserani e preludono alla svolta naturalistica dei suoi temi. 

Da quel momento in poi in nessun quadro compariranno figure umane.

Interpellato dal suo amico e mecenate Attila Frustalupi sui motivi di questa scelta, il Biserani ebbe a dire: “M’sàn stufè: pintèr di òmmen, l'è coma e' càn ad Zaraben che baja a la lona cardend che sia pijda” (Mi sono stancato: dipingere gli uomini è come il cane di Zarabino che abbaia alla luna credendo che sia una piadina). 

L’artista si riferiva certamente al fatto che dipingere esseri umani è sforzo vano, perché non sarà mai possibile cogliere la loro reale essenza.

Resta il fatto che le due tele del 1942, conservate al Riccione Art Museum, sono considerate tra i massimi capolavori del pittore romagnolo. 

Lo stile raffinatamente approssimativo, dai forti contrasti di colore, dalle forme umane appena abbozzate e sproporzionate, si manifesta paradigmaticamente nella "Spiaggia", mentre in “Colazione nel giardino dei Ravaioli” ancora una volta è il dettaglio rosso che ci mostra quanto il Biserani trasfondesse la sua indole allegra e passionale anche in una pittura per molti aspetti malinconica.

"Colazione nel giardino dei Ravaioli", 1942,
olio su tela
Riccione Art Museum 

"Spiaggia", 1942, olio su tela
Riccione Art Museum

Nel 1943 Arnaldo Biserani incontra Balla e Boccioni, dei quali già stava studiando le opere da tempo, restandone affascinato. 

I due maestri del Futurismo avevano già avuto modo di apprezzare alcuni lavori del giovane collega romagnolo, che avevano visto esposti a Porto Garibaldi nella Friggitoria “Zia Rina” e avevano intuito in “Mio zio Luganega” un esempio di quelle sequenze fotogrammetriche tanto care a Giacomo Balla. Entrambi consideravano il Biserani un artista molto promettente.

Da questo incontro scaturiscono alcune opere che mettono a punto il linguaggio che Biserani userà nella sua pittura fino alla morte, definendosi  pienamente tuttavia solo dopo l’incontro con De Chirico quasi cinque anni  dopo.

Questi sono anni di grande creatività, di ricerca di nuove tecniche e di sperimentazione, ma sono soprattutto gli anni durante i quali il Biserani si avvicina definitivamente ai soggetti gastronomici che maggiormente gli sono cari in poesia.

Il Biserani infatti vede nel cibo la reificazione delle aspirazioni e dei tormenti più profondi dell’animo umano, simbolo introiettabile, quindi allo stesso tempo  non-simbolo o simbolismo-negato, dotato di natura ultrareale, in grado cioè di andare oltre la dicotomia corpo-spirito che affligge i suoi contemporanei, e che neanche il positivismo futurista riuscirà a superare, pur nel suo strutturale dinamismo.

Nel bellissimo “Natura morta con piadina” del 1943, già i germi del cambiamento si intravedono, soprattutto nell’uso della pittura su vetro, che nell’esperimento del Biserani doveva servire come espediente per conferire al dipinto profondità e movimento. 

"Natura morta con piadina", 1943
smalto su vetro
collezione privata trattoria "Il Vascello" Cesenatico

Tuttavia l’artista non è più soddisfatto dell’impasto di colore che ancora resta il medesimo dei lavori precedenti e mal si sposa ad un linguaggio rinnovato.

A questo seguono molti dipinti interessanti, tra i quali voglio ricordare “Lombata invernale” e “Pane e friggione”, entrambi del 1944, facenti parte della collezione privata di Demetrio Malavasi. 

Dal 1945 inizia gli studi per la serie dei Rombi, che si apre con il famoso “E pèss” (Il pesce, 1945) un bozzetto eseguito con la sanguigna su carta presso il ristorante “Il Rombo da Luigi” di Cervia. 

"E Pèss" (Il pesce), 1945
sanguigna su carta da frittura
collezione privata ristorante "Il Rombo da Luigi" Cervia

Tra il ’45 e il ’53  Biserani si dedicherà quasi esclusivamente a dipingere rombi, utilizzando varie tecniche ed eseguendo decine di studi sulla fisionomia di questo gustoso pesce di cui è ricco l’Adriatico, ma nel frattempo conoscerà anche Giorgio De Chirico, destinato a diventare suo maestro.

"Rombo in grisaglia", 1948
carboncino su tovagliolo
collezione privata ristorante "Il Rombo da Luigi" Cervia

"Rombo in giallo", 1949
pastello su carta da frittura
collezione privata ristorante "Il Rombo da Luigi" Cervia

"Rombo nella notte marina", 1951
acquerello
collezione privata ristorante "Il Rombo da Luigi" Cervia

È dall’incontro con De Chirico che il Biserani introduce nei suoi dipinti una dimensione metafisica, che tuttavia perde lo straniamento proprio del Maestro, per acquisire nella sua opera la dimensione ultrarealista che gli è propria, solidamente ancorata cioè ad elementi del vivere quotidiano inseriti allo stesso tempo in un contesto in cui sono il vuoto e la luce a rappresentare il concetto di infinito e a testimoniare la distanza emotiva da esso dell’uomo comune.

Il desiderio quindi di non venir meno a quell’ingenua semplicità, a quel linguaggio diretto che costituisce cifra stilistica sia del Biserani pittore, sia del poeta, lo porta ad un rigore estremo nella ricerca dei temi e nei primi mesi del 1954 a una definitiva frattura con De Chirico, verso la cui opera spesso si pronuncerà in modo assai critico. ( “Potrò discutere con lui di pittura solo quando smetterà di dipingere attaccapanni, cià una testa còm una mazòla, al ’fe rid m’i pol, quàl patàca”, dirà ad Attila Frustalupi).

La summa della carriera artistica del Biserani è rappresentata proprio da un dipinto del 1954, universalmente riconosciuto come il suo massimo capolavoro: “La solitudine della salsiccia”, olio su tela, collezione della trattoria “Il Vascello” di Cesenatico.

"La solitudine della salsiccia", 1954
olio su tela
collezione privata trattoria "Il Vascello" Cesenatico

In quest’opera, dietro l’apparente nichilismo del soggetto inanimato, è ancora una volta la luce a testimoniare che invece un’anima esiste, ma è natura stessa della carne: oltre a quella salsiccia, sospesa in un vuoto senza riferimenti di spazio e tempo, altro dunque non c’è.

La salsiccia assurge così a valore universale, ultrareale e al contempo assoluto.

Farà un’operazione simile anche nei bellissimi “Notturno con Cagnina“ del 1957 e “Frittura mista” del 1960, esposti al Museo delle Terme del Beato Alessio di Riccione, senza tuttavia riuscire ad eguagliare l’essenziale perfezione del dipinto del ’54. 

"Notturno con Cagnina", 1957
olio su tela
Museo delle Terme
Riccione

"Frittura mista", 1960, olio su tela
Museo delle Terme
Riccione

       

Negli ultimi tre anni prima della morte riprende gli studi sui rombi, che lo accompagneranno ossessivamente fino ai suoi ultimi giorni.

"Rombo con patate", 1961
pastelli di cera su tovagliolo
collezione privata Demetrio Malavasi

"Il tragico destino del rombo", 1961
acquerello su carta da tavola
collezione privata ristorante "da Romano, al Pescatore" Casal Borsetti

"Studio per la triangolazione del rombo", 1961
carboncino su carta da frittura
collezione privata friggitoria "da Dolfa"
Igea Marina

In molti lavori si assiste anche a una inedita contestualizzazione del rombo, negli ultimi dipinti addirittura coinvolto e stravolto in deformazioni geometriche, come ne “La quadratura del rombo” (1961) e "La cerchiatura del rombo riflesso" (1963), entrambi appartenenti alla collezione privata di Attila Frustalupi. 

"La quadratura del rombo", 1961
olio su tela
collezione privata Attila Frustalupi

"La cerchiatura del rombo riflesso", 1963
matita su carta da frittura
collezione privata Attila Frustalupi

Con queste due opere il Biserani lancia un inclemente j’accuse verso l’esigenza dei suoi contemporanei di trascendere l’estetica a favore dell’effetto emotivo  prodotto dall’opera d’Arte, condotta che l’artista romagnolo considera ambigua e fuorviante.

Sono i suoi ultimi quadri, che a una lettura a posteriori ci appaiono ancora più emblematici.

Quando il critico Ennio Sperindìo gli chiese il perché del rombo, il Biserani rispose lapidario: "E ròmb l'è un pèss che no rènd" (il rombo è un pesce che non rende) alludendo alla quantità di scarto prodotto per sfilettarlo. 

In questa consapevolezza, la sintesi della filosofia pittorica dell'ultimo Biserani, tutta la disillusione di fronte al desiderio che si scontra con l'ultrarealtà metafisica dell'esperienza.

Bibliografia:

Bruno Capello-Franco Piccione "La pittura romagnola del Novecento" Ed. d’Arte Aldo Paletta, Cesena, 2001, pagg. 303-527

Attila Frustalupi "Arnaldo Biserani, l’amico, il pittore, il poeta: un ricordo" Ed. Nuove Tendenze, Faenza, 1974

Milena Tartaglia "Il Biserani e l’estetica del rombo: geometrismi" Ed. d’Arte Aldo Paletta, Cesena, 1996

Demetrio Malavasi-Franco Piccione "L’ultrarealtà metafisica nella poetica del Biserani" Ed. d’Arte Aldo Paletta, Cesena, 1985

"Lo scherzo fatale: Biserani e i suoi contemporanei" a cura di Gianni Lugaresi su FMR, Milano, anno XXI, n.150, febbraio-marzo 2002

Guida Michelin Italia, 1952-2012

Un sentito ringraziamento alla Fondazione Attila Frustalupi per la ricchezza del materiale iconografico messo a disposizione per questo breve saggio.

Per chi desiderasse approfondire la conoscenza del Biserani poeta, raccomando l'illuminante saggio dell'amico e collega Marco Fulvio Barozzi su Popinga, che esce in contemporanea con questo articolo